se dejaba escuchar la introducción musical de "Clásicos Dominicales"
junto a su presentadora Isabel Palacios, espacio dedicado a la divulgación
cada fin de semana de la música académica,
quiere ser esta recopilación, de grandes obras musicales al piano
interpretadas por Valentina Lesitsa,
una evocación a ese espacio que hoy domingo recordamos.
Isabel Palacios
Mezzosoprano y directora coral venezolana,
Fundadora y directora artística de la Fundación Camerata de Caracas,
ha desarrollo grupos artísticos con alto nivel interpretativo,
siguiendo con constancia profesional su carrera como cantante y docente.
Pianista Valentina Lisitsa.
Pianista profesional ucraniana residenciada en Estados Unidos.
Su marido, Alexei Kuznetsoff también pianista
y compañero en los duetos de piano.
Actualmente Lisitsa es una de las representantes
de la compañía de pianos Bösendorfer.
A partir de las manifestaciones Euromaidán que propiciaron la huida
del entonces presidente de Ucrania, Victor Yanukovich,
Lisitsa manifestó su apoyo al separatismo pro-ruso mediante su cuenta en Twitter.
Nació en Kiev, Unión Soviética, actualmente Ucrania,
Se inició en el piano a la edad de tres años, interpretando su primer recital tan sólo un año después. Cursó estudios musicales en la Escuela de Música de Lysenko, luego en el conservatorio de Kiev, donde conoció a su marido Alexei Kuznetsoff.
Escucharemos como primera composición al maestro José Ángel Lamas, caraqueño, del periodo del clasicismo venezolano, por demás en pleno conflicto de la guerra de independencia de Venezuela, Lamas se refugia en su música y el "Pueblo Mio" es una desgarradora composición de la pasión y muerte de Jesucristo muy empleada en la liturgia de la Semana Santa, para la cual la compuso, pero que bien puede reflejar todo el dolor del pueblo venezolano que Lamas vivió y capto en su momento histórico.
Maestro Don Inocente Carreño.
Luego una pieza del compositor margariteño Inocente Carreño, quién recuerda haber sido criado por su abuela, quién le narraba cuentos y costumbres isleñas, siendo esta magnifica obra "Margariteña" una musicalización excepcional de los recuerdos de aquella infancia al lado de la abuela querendona.
Pianista Teresa Carreño
Seguidamente tenemos tres piezas de la caraqueña Teresa Carreño y tres piezas del Guariqueño Moises Moleiro, ambos de trayectoria internacional, tanto por estados Unidos, como en los escenarios Europeos, mostrándonos hoy un repertorio al piano de una excelente y magnifica obra musical.
Maestro Moisés Moleiro
Clic sobre la imagen y déjalo correr para escuchar
continuamente toda la basta obra musical de estos insigne venezolanos.
Valores del gentilicio nacional, demostrando que los Venezolanos
Franz Joseph Haydn manifestó en una ocasión al padre de Mozart,
Leopold, que su hijo era
«el más grande compositor que conozco, en persona o de nombre».
El otro gran representante de la trinidad clásica vienesa, Beethoven, también confesaba su veneración por la figura del músico salzburgués, mientras que el escritor y músico E. T. A. Hoffmann consideraba a Mozart, junto a Beethoven, el gran precedente del romanticismo y uno de los pocos que había sabido expresar en sus obras aquello que las palabras son incapaces de insinuar siquiera.
La Obertura 1812, Op. 49 es una obertura romántica escrita por el compositor ruso Pyotr Ilyich Tchaikovsky en 1880. La pieza fue escrita para conmemorar la victoriosa resistencia rusa en 1812 frente al avance de la Grande Armée de Napoleón Bonaparte. La obertura fue estrenada en Moscú el 20 de agosto de 1882. La obra es reconocida por su final triunfal, que incluye una salva de disparos de cañón y repique de campanas.
En su visita a Estados Unidos en 1891, Tchaikovsky dirigió la obra en la inauguración del Carnegie Hall de Nueva York. Pese a que esta obertura no tiene relación con la historia de Estados Unidos, su ejecución suele ser una parte clásica de los festejos por la independencia norteamericana.
Esta es una esplendida interpretación al piano por las manos magistrales de Valentina Lesitsaa, acostumbrados a la rimbombante orquestación original de esta obertura, resulta muy agradable escuchar esta excelente interpretación con el valor agregado de la manera como se las ingenian para la parte final de la obra y seguir la secuencia musical y escenas de esta obra maestra del genial músico ruso.
Beethoven Sinfonía Heroica
La Sinfonía n.º 3 en mi bemol mayor, op. 55, de Ludwig van Beethoven, conocida como Eroica (Heroica, en español), es una obra considerada por muchos como el amanecer del romanticismo musical, puesto que rompe varios esquemas de la tradicional sinfonía clásica. Estuvo inicialmente dedicada a Napoleón Bonaparte.
Beethoven admiraba los ideales de la Revolución francesa encarnados en la figura de Napoleón, pero cuando este se autocoronó emperador en mayo de 1804, Beethoven sumamente indignado borró el nombre de Bonaparte de la página del título de las partituras con tal fuerza que rompió su lápiz y dejó un agujero rasgado en el papel. gritando: «¡Ahora solo... va a obedecer a su ambición, elevarse más alto que los demás, convertirse en un tirano!».
Algún tiempo después, cuando la obra se publicó en 1806, Beethoven le dio el título de «Sinfonia eroica, composta per festeggiare il sovvenire d'un grand'uomo» («Sinfonía heroica, compuesta para festejar el recuerdo de un gran hombre»).
Este gran hombre era un ideal, un héroe no existente, pero más bien, fue el espíritu del heroísmo mismo lo que interesaba a Beethoven. También se ha dicho que Beethoven se refería a la memoria de la naturaleza de Napoleón, que una vez fue digna.
Romero La Epopeya de Bolívar
La Epopeya de Bolívar del maestro Aldemaro Romero
22 de enero 2012 (Teatro Municipal de Caracas)
“La extraordinaria música escrita por Aldemaro Romero para la película “La Epopeya de Bolívar” (1969) es evocativa, fresca, con elementos conductores donde el contenido heroico y patriótico se entremezcla junto a elementos folklóricos. Además de una muy bella página que eventualmente se convirtió en uno de las más famosas obras del compositor su “Tema de Amor”, destacó así la obra musical de Aldemaro Romero el maestro Rodolfo Saglimbeni quién dirigió la orquesta para esa oportunidad.
En este pasaje musical, "Tema de Amor" Romero trasciende el amor mundano y el éxtasis pasional, entre Bolívar y Manuela, y en una metamorfosis, por decirlo de algún modo, dentro de la secuencia sinfónica de la partitura de la Epopeya Bolivariana, el clavicordio nos introduce en la obra, con su marcha el redoblante enaltece la azarosa aptitud militar de la obra, mientras que una trompeta solemnemente nos recuerda el gloria al bravo pueblo, una marcha solemne nos pasea por toda la sinfonía entre cuerdas y metales, hasta concluir con ritmos bien reconocidos del acervo musical venezolano, allanando el camino al tema de amor central, un solitario oboe nos introduce en aquella pasión delirante, que solo entiende quién al escucharla se le sueltan las lagrimas de su conciencia, pintándonos así con su sublime melodía una pasión mas elevada, el amor a la patria y sobre todo el dolor del alma por la obra libertaria inconclusa, en ella se ve a un Libertador, como dijera García Marquez -perdido en su laberinto- al borde de su existencia, exclamar mil veces... -he arado en el mar- y delirantemente triste decir -vamonos, vamanos esta gente no nos quiere en esta tierra- Al final de la sinfonía, se dejan oir nuestros cantos populares mas emblemáticos, como reguero de mariposas amarillas, azules y rojas, remontando el cielo fulgurantemente excelso enmarcado con siete estrellas destellantes llenando nuestro horizonte de esperanzas, para cerrar nuevamente con el solitario oboe marcando las notas de aquel amor perdido JLReyesM.
El holandés errante o El buque fantasma (en alemán, Der Fliegende Holländer) es la música de una ópera romántica en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner, inspirado por las Memorias del señor de Schnabelewopski, de Heinrich Heine.
Wagner se inspiró para escribir "El holandés errante" después de un tormentoso paso por el mar desde Riga hasta Londres en julio y agosto de 1839, embarcándose en el navio "Thetis" cuyo capitán aceptó llevarlos sin pasaportes, su viaje por mar se vio repleto de tormentas. Una gran tormenta arrojó el barco hacia las costas noruegas en Tvedestrand, y un viaje que se esperaba fuera de ocho días al final hizo que Wagner llegase a Londres tres semanas después de dejar Riga. Este hecho hizo recordar a Wagner la leyenda, ya tradicional entre los marineros del norte de Europa desde el siglo XV, del navegante condenado a surcar los mares en busca de la salvación.
A Wagner se le ocurrió la idea de una ópera sobre el tema del Holandés errante, y escribe... "El viaje a través de los acantilados noruegos hizo una maravillosa impresión en mi imaginación; la leyenda del holandés errante, que los marineros narraban, tomó un colorido distintivo y extraño que sólo mi aventura por mar podían haberle dado."
Sinfonía do mayor.
La Sinfonía en do mayor fue la primera sinfonía y la única completada por Richard Wagner, compuesta en la tonalidad de do mayor, en la ciudad alemana de Leipzig, entre abril y junio de 1832, cuando el compositor contaba apenas 19 años de edad y fue estrenada en Praga, en noviembre de ese mismo año. La sinfonía en do mayor, muestra la influencia del modelo musical de Mozart, pero sobre todo el de Beethoven, muy especialmente el de sus sinfonías Heroica, Quinta en do menor y Séptima en la mayor.
WAGNER Symphony in C | RAI Milano, F.Caracciolo | video 1980 ®
Opera "El Ocaso de los Dioses"
Personajes.
Sigfrido. El que trae la paz, el que no conoce el miedo, hijo de los gemelos Segismundo y Siglinda, engendrados a su vez por Wotan y una mortal. Forman la estirpe de los welsungos. A estas alturas de la epopeya ya sabemos cómo se las gastó con Fafner y con su abuelo, a los que dejó fuera de juego, y con su tía Brunilda, a la que rescató del fuego eterno. Tenor heroico de mucha resistencia
Brunilda. La walkiria favorita de Wotan, engendrada –junto con sus ocho hermanas- por éste y la protodiosa Erda. Para algunos, la protagonista máxima de la historia. Su parte más relevante en esta jornada es el final, una larga conversación con el ya ausente Wotan. Una soprano dramática de enorme resistencia
Gunther. Rey de los gibichungos. Hijo de Gibich y Grimhilde. Indolente, un aristócrata residual capaz de vender su alma al diablo con tal de recuperar su fama, que ha venido muy a menos. Papel para barítono o bajo-barítono. La música que Wagner le regala va mucho más allá de lo que sicológicamente representa.
Gutrune. Su hermana. Mujer elemental y de pensamiento adolescente, dulce como un terrón de azúcar. Perdidamente enamorada de Sigfrido. Es una soprano lírica con cuerpo que musicalmente también resulta candorosa y bonita.
Alberico. Jefe de los Nibelungos. Como ellos, enano y deforme. Supimos de su frustración sexual al cambiar los placeres del amor por la codicia y arrebatar el oro a las ondinas. Alter ego de Wotan, autor de la maldición del Anillo, un siniestro y feísta de libro que hasta el último momento intenta ayudar a su hijo Hagen a acabar con Sigfrido. Barítono o bajo-barítono
Hagen. Hijo de Grimhilde y Alberico, procreado antes de que éste haya renunciado al amor. Hermanastro, pues, de Gunther y Gutrune. Frente a la falta de luces de los buenos hermanos, brilla la malvada inteligencia de Hagen, un antagonista nato que de tanto serlo se convierte en exactamente lo contario. Es el asesino de Sigfrido y el único que planta cara al caos y la destrucción finales, aunque acaba siendo arrastrado. Un bajo potente de negros tintes tímbricos; uno de los más grandes logros wagnerianos en la relación canto-música-sicologismo teatral.
Waltraute. Una de las nueve walkirias. Es, con Brunilda, la más lista, la más comprometida y la que más información tiene. Un hermoso papel para mezzo-soprano.
Las hijas del Rin. Vuelven a aparecer aquí las vigilantas del oro robado.
Las Tres Nornas. Son las tejedoras del destino. Protagonizan la escena inicial, explicándonos lo que había sucedido antes para que las cosas estén ahora como están, es decir, al borde del caos, al borde de la última y definitiva aniquilación.
Un imponente y determinante en lo dramático coro mixto, por primera vez en toda la Tetralogía. Son el pueblo gibichungo.
Trama de la opera.
Wagner escribió el texto de su Anillo de atrás adelante; desde La muerte de Sigfrido, título original de la que se convertiría en cuarta y última ópera de la saga. Por consiguiente, ésta, y la anterior, originalmente El joven Sigfrido, desarrollan las consecuencias de la historia, mientras que en las dos anteriores acabamos encontrando las causas que provocan los acontecimientos finales de aquélla. Sin embargo, a pesar de que Wagner había hecho retroceder mucho los asuntos previos a la aparición del mito central de la obra, Sigfrido, para que Oro y Walkiria explicaran los porqués de su existencia, todavía quedaban algunos importantes cabos sueltos en el relato. Por eso Wagner acaba escribiendo el maravilloso prólogo con que da comienzo este Ocaso, en el que vuelve a planear el espíritu de Wotan y sus maquinaciones para llegar al desorden reinante tras las sucesivas violaciones del Derecho Natural en que incurrió el dios supremo. Nos lo cuentan las Nornas, antes de recuperar la última escena de Sigfrido para recordarnos en qué situación quedaron Sigfrido y Brunilda.
Y ahí realmente comienza la trama, las dos partes en que se divide El ocaso de los dioses: la traición de Hagen para que Sigfrido muera asesinado y, finalmente, Fricka, la diosa esposa, se salga con la suya, y la planificación del final de los dioses, labor ésta de cuya dirección se encargará la walkiria preferida de Wotan, la amada de Sigfrido, es decir, la granítica y mayestática, pero a la vez tierna y humana, Brunilda.
El Ocaso de los Dioses
"El Anillo del Nibelungo" Amanecer, interludio del prologo.
Le Roncole, Busseto, 10 de octubre de 1813-Milán, 27 de enero de 1901
Compositor romántico italiano de ópera del siglo XIX, el más notable e influyente compositor de ópera italiana y puente entre el belcanto de Rossini, Donizetti y Bellini y la corriente del verismo y Puccini. Fue autor de algunos de los títulos más populares del repertorio lírico, como los que componen su trilogía popular o romántica: Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore y las obras maestras de la madurez como Aida, Don Carlo, Otello y Falstaff.
Berlioz. Sinfonía Fantástica
Louis Hector Berlioz
La Côte-Saint-André, Francia, 11 de diciembre de 1803
París, 8 de marzo de 1869
Compositor francés y figura destacada del romanticismo de su país.
Su obra más conocida es la Sinfonía fantástica (estrenada en 1830).
Berlioz fue un gran orquestador y la influencia de su música
fue extraordinaria en la academia musical de su tiempo.
Brahms.
Concierto para piano No. 1
Johannes Brahms
Hamburgo, 7 de mayo de 1833 - Viena, 3 de abril de 1897
Pianista y compositor alemán del romanticismo, aunque se le puede considerar ya un posromántico. A Brahms se le considera el más clásico de los compositores románticos. Se mantuvo fiel toda su vida al clasicismo romántico y conservador, influenciado por Mozart, Haydn y, particularmente, por Beethoven.
Fue posiblemente el mayor representante del círculo conservador en la Guerra de los románticos. Sus oponentes, los progresistas radicales de Weimar, estaban representados por Liszt, los integrantes de la posteriormente llamada Nueva Escuela Alemana y por Wagner.
Nació y se crió en Alemania, donde su obra romántica, conservadora y con un clasicismo muy contenido, no fue bien recibida. Por ese motivo, en 1862 decidió autoexiliarse en Viena, donde creó lo mejor de su repertorio sinfónico y de conciertos para instrumentos solistas de diversa clase.
Las expresiones Las tres bes y La santa trinidad creadas por Hans von Bülow, se refieren a Bach, Beethoven y Brahms como tres de los mayores compositores de la historia de la música.
Compositor húngaro del romanticismo musical, virtuoso pianista y profesor.
Nombre completo Franz Ritter von Liszt.
Sueño de Amor
Liebesträume No. 3
Es una pieza para piano con la que más se identifica a Franz Liszt.
El tercero de una serie de tres nocturnos publicados en 1850,
inspirados en poemas de Ludwig Uhland y Ferdinand Freiligrath.
Trata el amor incondicional maduro (el primero representa el el amor religioso y sagrado y el segundo es una evocación al amor erótico). Está escrito en La bemol mayor y se inicia en “poco allegro”, aunque luego va creciendo. Está dividido en tres partes, separadas cada una por una rápida melodía que exige bastante destreza y un grado relativamente alto de habilidad técnica. Se utiliza esta misma melodía a lo largo de toda la pieza, aunque cambia cada vez, especialmente hacia la mitad de la obra, cuando se alcanza el momento culminante. Al final, el Liebesträume n.º 3 se va apagando en una sección final mucho más lenta con acordes y lentos arpegios y termina con un acorde roto tocado muy lentamente, como si fueran notas sueltas más que unidas en una misma frase.
El poema en el que se inspira dice así aproximadamente:
“¡Oh, ama, ama mientras puedas!
¡Oh, ama, ama mientras te guste amar!
Llegará la hora, llegará la hora
en la que sobre las tumbas te lamentarás.”
Sinfonia No. 1 "Dante.
Es un triptico sinfónico compuesto de tres partes
1. Infierno.
2. Purgatorio.
3. Magnificat (Entrada al Paraíso)
Lizt se inspiró en la obra escrita de Dante Algieri "La Divina Comedia"
Director Giusseppe Sinopoli.
De claro estilo romántico, representa musiclamente el viaje de Dante a través del infierno y del purgatorio. Estrenada en Dresde, noviembre de 1857, con el propio Liszt como director, y supuestamente dedicada al amigo y futuro yerno Richard Wagner.
La obra carece en honor a la verdad de su tercer movimiento "Paraíso"debido a que Richard Wagner convenció a Liszt de que tal lugar estaba fuera del alcance de la comprensión humana de cualquier compositor. En su lugar, la sinfonía concluye con un Magnificat para coro de voces femeninas.
Concierto para Piano No. 1
Celebrado en Berlín el 13 de septiembre de 1981
Solista Martha Argerich Director Von Dohnanyi.
Este concierto está considerado como el más brillante, perfecto y popular de todos los que Liszt compuso. No expresa ni mundos contemplativos, ni ideas profundas, entre otras cosas porque Liszt nunca estuvo interesado en destacar en sus obras esas características, excepto en contadas ocasiones. El concierto es de una fuerza superior a la de su posible trascendencia.
Tal vez la característica más acusada sea la del interés con que, sin que el piano pierda protagonismo, participe la orquesta, ya sea con intervenciones de distintos solistas, ya en los tutti de una formación que emplea, lejos de limitaciones clásicas, todo un conjunto, incluidos los trombones y una rica y brillante percusión.
Separata.
En 1975, se llevó a la pantalla del cine Lisztomanía,
una trama surrealista sobre el músico y su obra,
inspirada en el carácter y el talento del genio musical húngaro.
